Sábado, 03 Diciembre 2016 17:03

CRÍTICA de TEATRO: "¡Ay, CARMELA!"

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CRÍTICA de TEATRO: ¡AY, CARMELA!

 

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Los domingos de diciembre, en Nave 73, la otra España, contada desde la fusión entre el humor y el drama. Una obra que no te puedes perder si te gusta la historia de España.

 

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QUÉ: ¡Ay, Carmela!

DÓNDE: Nave 73

CUÁNDO: Domingos 4, 11 y 18 de Diciembre

DIRECCIÓN: Iván Gisbert

AUTOR: José Sanchis Sinisterra

REPARTO: Carlos Jiménez-Alfaro, Ana Escriu

 

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SINOPSIS

Nuestra Carmela cuenta la historia de la otra España… La de ‘en medio’, la constreñida por bandos, la que no entiende la crueldad bajo ninguna bandera. La que tiene ideas propias, pero que se mueve sobre todo por humanidad.

Carmela y Paulino son dos actores de revista en plena Guerra Civil. Su mala fortuna les lleva a tener que representar una velada cómica para las tropas nacionales y para algunos brigadistas internacionales que van a ser fusilados al siguiente amanecer. Ambos tendrán que improvisar un espectáculo a la altura de las circunstancias, sin apenas medios, e incluir una parodia burlesca ideada para humillar a los prisioneros republicanos. Una crueldad que acabará desencadenando la tragedia.

 

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OPINION

Donde el humor y la tragedia se funden para recordar los peores momentos de España.

Sáez Muñoz

Empezaba muy mal la puesta en escena con números circenses de risa fácil y vulgar, no me puede creer que una tragedia como la Guerra Civil española se empiece a representar con un actor imitando el sonido de fuertes ventosidades. Menos mal que el hilo general de la obra es mucho más profundo y sentido, tejido con el corazón y sin miedo.

Nunca se hizo tanto con solo dos actores y tres muebles en escena. La línea temporal del guion, brillante a mi modo de ver, puede confundir al espectador despistado. La banda sonora explota la nostalgia del público y envuelve a la obra de un cálido recuerdo del pasado, muy acertada.

Los dos actores son magníficos, se nota que llevan más de dos años viajando con sus personajes una y otra vez al pasado. El vestuario, la iluminación y la puesta en escena son muy acordes al talento de los protagonistas. La sala del teatro es muy acogedora, con una grada artificial bien aprovechada. Los asientos, en cambio, son un punto mejorable ya que se hacían incómodos al pasar el ecuador de la representación.

Discreta afluencia de público, si es verdad que la lluvia en la capital y el horario, 13 horas del domingo, no ayudaba mucho. Una obra muy recomendada para amantes de la historia de España y nostálgicos con ganas de recordar. Gran moraleja final para llevarse de regalo.

 

VALORACIÓN: 7,5 sobre 10

 

Domingo, 20 Noviembre 2016 00:07

CRÍTICA de TEATRO: "LA PARTIDA"

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CRÍTICA de TEATRO: “LA PARTIDA”

 

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La Partida es una comedia sobre el valor de la amistad. Sobre las relaciones vacías que se perpetúan en el tiempo por pura inercia, por la necesidad de sentirse escuchado sin tener la más mínima intención de escuchar. Miércoles y jueves a las 22:00 horas en Teatro Fígaro.

 

QUÉ: LA PARTIDA

DÓNDE: Teatro Fígaro (Madrid)

CUANDO: Del 9 de noviembre de 2016 al 12 de enero de 2017 / Miércoles y jueves a las 22:00 horas

DIRECTOR: OSCAR SANZ CABRERA

REPARTO: JORGE CABRERA / ALFONSO MENDIGUCHÍA / JUAN LOPEZ-TAGLE

 

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SINOPSIS

Tres amigos de toda la vida se reúnen una vez al mes con la excusa de hacer una partida. David, Ricardo y Julio, se conocen desde que iban al colegio, o por lo menos eso es lo que creen. Contradicciones, envidias, hipocresía... Poco a poco veremos que son más las cosas que les separan, que las que les unen. La partida de esta noche dará un giro inesperado, Julio tiene algo que decirles.

La Partida es una comedia sobre el valor de la amistad. Sobre las relaciones vacías que se perpetúan en el tiempo por pura inercia, por la necesidad de sentirse escuchado sin tener la más mínima intención de escuchar. Habla de la precariedad en la comunicación, la torpeza con la que nos expresamos y la superficialidad de lo dicho.

Muestra de una manera fresca, sencilla y cotidiana la falsedad, las máscaras con las que se oculta la insatisfacción de llevar una vida que no es la deseada.

 

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OPINION

Sáez Muñoz

Buena interpretación de un trio de actores poco homogéneo. El ritmo general es un poco lento, sobre todo para una representación a última hora de un día laborable. Los 90 minutos que anuncian en la taquilla se quedan en 75 reales, pero aun así se hacen un poco largos. Un buen guion para una comedia que desarrolla el tema de la amistad que se perpetúa por inercia. En la escena los tres personajes tienen tres caracteres muy diferentes entre sí que rápido consiguen una conexión estrecha con el espectador.

Las transiciones, los cambios de escena y los cortes son breves y ayudan a seguir el hilo con facilidad. Quizás se echa en falta una banda sonora o algún complemento musical. Sin embargo, el juego de olores percibido en las primeras filas resulta original y es otra forma de inmersión complementaria.

Final predecible e historia repetitiva. Las situaciones son un poco forzadas y las bromas algo pasadas de moda. No es una obra original. La sensación que trasmite la obra es de pesimismo, frustración y tedio; a la salida del teatro el clima era de tristeza. Se echa de menos un poco de optimismo y esperanza en el futuro.

En cuanto al teatro, uno de los clásicos de Madrid mejor cuidados y remodelados. Butacas cómodas y grandes, local limpio y espacios amplios. La atmosfera que genera el fuerte olor a naftalina que te embriaga desde el minuto que entras ayuda a viajar al pasado dorado de los teatros de Madrid.

 

VALORACIÓN: 6 sobre 10

 

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Domingo, 06 Noviembre 2016 20:44

CRÍTICA de TEATRO: "EL AMOR ES PA NÁ"

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CRÍTICA de TEATRO: "El amor es pa ná" en Teatro Cervantes con Álex O'Dogherty

 

Álex O'Dogherty enloqueció al público de Málaga que brindó una ovación inmensa al actor gaditano. Y es que "El amor es pa ná" en Málaga cumplió y si sirvió para algo, para hacer reir y que todos sacaran sus mejores carcajadas.

 

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Últimamente me estoy aficionando a emitir crítica de los espectáculos pasados unos días. Y es que creo que, para bien o para mal, fuera de euforias momentáneas, los recuerdos son los que prevalecen y los que me hacen valorar si un espectáculo me fascinó o no. Y tengo que decir que “El amor es pa ná” fue uno de esos shows que me enamoró y fue la excepción que confirmó la regla de que “El amor es pa ná”. Una gran noche en Teatro Cervantes de Málaga. Una única actuación que provocó el lleno del teatro principal de la ciudad andaluza. Unas 800 almas deseosas de amor por el gaditano.

Siento predilección por Alex O’Dogherty, eso no lo puedo negar, pero siendo sincero y realista el show que muestra vale mucho la pena. Alex se muestra en todo su esplendor, muestra su lado sincero, sencillo, humano y hasta sus pensamientos más íntimos. Porque aunque lo quiera dejar claro durante la actuación, “El amor es pa ná” es autobiográfico, pero no de él solo, sino de todo o casi todo su público. Creo que el éxito de los monólogos reside en eso mismo, en reírse de la vida de uno mismo y hacer de nuestra rutina, nuestros problemas, nuestros complejos, algo tan normal que nos ayude a superarlo con una carcajada. Y Alex lo hace genial. Porque si “El amor es pa ná” es autobiográfico, es la auto biografía de cada uno de nosotros, porque todos nos hemos enamorado, desenamorado, follado como perras, hemos bebido hasta caer en busca de nuestro príncipe/princesa…

 

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Y de eso va “El amor es pa ná”, de un chico que a día de hoy no cree en el amor. Un corazón preside el escenario y va sufriendo “puñalás” a diestro y siniestro. Amores platónicos que no logran consolidarse por esos rumores que nuestra imaginación perversa crea en nosotros. Princesas que a la mañana siguiente se convierten en orcos. El placer por el puro placer y si te he visto no me acuerdo. Y al final, un corazón lleno de heridas que aún se pregunta si será capaz de cicatrizar o no. Y eso nos ha pasado a tod@s. Yo me sentí 100% identificado. Me recordó cierto tiempo en mi juventud donde los primeros tonteos y la distancia hacía imaginarme lo que no era. El todo vale en un sábado noche. La fuga de problemas cargado de alcohol. O el, te quiero pero no me dedicas ni una mirada. Y el final, el final ni él mismo sabe cómo acabarlo. Porque “El amor es pa ná” está a medio escribir, aún queda mucho tiempo en nuestras vidas para saber qué será de nosotros. ¿Aguantaremos cómo estamos? ¿Tendremos que buscar un buen cirujano/a para que haga cicatrizar nuestro corazón? No lo sabemos, lo que sí sé es que quiero que si algún día hay final, me lo vuelva a contar Alex O’Dogherty con multitud de carcajadas.

Con “El amor es pa ná” siento que Alex O’Dogherty da un pasito adelante en su carrera. Mezcla todo su buen hacer en los monólogos y en su música. Un salto de calidad, con un guión y una historia de trasfondo, con su principio y su “no final”, pero con una trama que hace disfrutar de un show duradero. Y sin olvidar lo que la gente quiere, cercanía e improvisación. Y se disfruta mucho cuando Alex sale al paso de problemas con el micrófono o con las respuestas de los asistentes. Simplemente delirante e hilarante. Creo que The Hole le ha dado a Alex ese empujoncito para darle un toque más canalla a sus shows y tomar más riesgo para logar un triunfo exquisito con su público.

 

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Y aunque me duela decirlo, eché en falta más música. No todo iba a ser genial. Quizás sea porque la mayoría del público no sabe o sabía las letras de las canciones y eso era mucho arriesgar en pos del aburrimiento. Si es así lo entiendo y acepto. Pero yo me quedé con ganas de tararear o cantar un poco más de sus letras. Da igual, a la próxima ocasión nos veremos.

“El amor es pa ná”, un show recomendable y recomendado. Un canto a la libertad de uno mismo, con la moraleja de apreciar lo que uno tiene, y el sabor de disfrutar de lo que se tiene venga lo que venga después. Porque el amor en el fondo no es pa ná, sí que sirve, y a nosotros nos ha servido para reírnos y para ser feliz en esas dos horas que dura el show. Y así lo agradeció el público de Málaga, levantándose y aplaudiendo a un actor humilde, que es capaz de llevarnos a todos hasta la puerta para despedir a cada uno e inmortalizar el momento.

¡Frikis de Málaga! ¡Frikis del mundo! Abandonar los cheetos, dejar el Tinder o el LOL un momento y descubrir porqué “El amor es pa ná”.

 

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Sábado, 05 Noviembre 2016 10:21

CRÍTICA de TEATRO: "CAIGUTS DEL CEL"

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Crítica Teatro: “Caiguts del cel” (Teatre Àngel Guimerà)

 

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AUTOR: Sébastien Thiéry

DIRECCIÓN Y VERSIÓN: Sergi Belbel

REPARTO: Emma Vilarasau (Laura), Jordi Bosch (Bruno), Àlex Casanovas (Vecino), Anna Barrachina (Irina)

ESCENOGRAFÍA: Max Glaenzel

ILUMINACIÓN: Kiko Planas (AAI)

VESTUARIO: Mercè Paloma

ESPACIO SONORO: Jordi Bonet

PRODUCCIÓN: Focus

IDIOMA: Catalán

LUGAR: Teatre Àngel Guimerà (El Vendrell)

 

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SINOPSIS

La vida tranquila y feliz de una pareja pequeñoburguesa de mediana edad se ve trastornada bruscamente cuando, un buen día, sin motivo ni explicación aparente, empieza a aparecer dinero dentro del comedor de su casa. La situación se lía cuando se ven implicados la mujer de la limpieza de la pareja, que es extranjera, y un peculiar vecino muy inquietante. Y todo, para llegar a un final absolutamente inesperado que ningún espectador no debería revelar.

Caiguts del cel es una comedia que hace llorar de risa y, al mismo tiempo, es una metáfora punzante del sistema capitalista y un retrato ácido y divertidísimo de uno de los vicios que nunca parece pasar de moda: la codicia.

 

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OPINIÓN

Cristian Barragán Ruiz

@crisinkmusic

Delirante comedia de Sergi Belbel, que pude disfrutar en el Teatre Àngel Guimerà, bajo un llenazo total para asistir a una hora y treinta que se hacen muy muy cortas. La premisa de la obra, es muy simple. Un matrimonio de clase media/alta, empieza a ver dinero en su salón. Primero 100€, y después la suma va aumentando hasta grandes cantidades. El matrimonio intenta de tratar llegar a una explicación lógica, pero terminan siendo conjeturas absurdas. Tras esto, la señora Ucraniana de la limpieza que trabaja para ellos, se verá involucrada en el percance, además de un vecino de lo más… siniestro y desconfiado.

La obra nos cuestiona lo que estamos dispuestos a hacer por el dinero, y por poseerlo. Porque, no nos engañemos. Sabemos que el mundo gira en torno a él. ¿Qué haríamos nosotros si empezamos a ver dinero por arte de magia en nuestra casa? ¿Nos lo quedaríamos, y aquí no ha pasado nada? ¿Llamaríamos a la policía? ¿Se lo ocultaríamos incluso hasta nuestra pareja? Las preguntas se acrecientan conforme las sumas de dinero son más grandes, hasta el clímax final, que nos hace plantearnos si podríamos sobornar o incluso matar a alguien por él.

Desde el punto de vista técnico, es una obra muy trabajada. La decoración es un salón de casa, moderno/minimalista, que nos hará refugiarnos con los actores para tratar de encontrarle explicación a lo sucedido. Las transiciones de escena a escena son amenas, y no desvían la atención del espectador porque estamos esperando a ver la siguiente situación, y cómo la afrontan los personajes. A nivel de producción tiene un aprobado muy alto, felicito a las personas encargadas de ella.

En definitiva, es una obra agradable y de miras muy cortas, entras, te ríes, te planteas la manera en la que tú hubieras abordado el (¿bendito?) problema, y sales con una sonrisa del teatro. Yo, personalmente no pido más.

 

Puntuación: 8 sobre 10

 

Crítica de Teatro (Magia): “Magia Potagia y más” Juan Tamariz

 

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Dónde: Teatro Capitol de Madrid

Cuándo: Del 11 al 23 de octubre de 2016 / Martes a sábados 21:30 h., y Domingos 19:00 horas.

Quién: Juan Tamariz – Consuelo Lorgia – Mago Alan

Qué: Magia Potagia y más

 

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SINOPSIS

Un renovado espectáculo donde deberá frotarse los ojos ante lo Increíble, abrir la boca ante lo Asombroso, reír y reír ante lo surrealista, gozar ante lo milagroso y fascinante... Si acompañas a Juan Tamariz, su Alegría, su Fascinación y sus increíbles ojos azules entrarás con él en el Arco Iris Mágico y lo vivirás y ¡seguro, seguro!) Lo GO-ZA-RÁS.

 

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OPINION

Daniel Alonso

Fabuloso espectáculo con el que disfrutar de una noche en la Gran Vía madrileña. Aunque el Teatro Capitol parece a priori demasiado grande para apreciar cartomagia, todo se diluye cuando empieza Tamariz a hablarnos y aquella grandeza ya no es obstáculo para que disfrutemos el espectáculo. El arte de la magia de Juan Tamariz empequeñece todo lo demás.

La representación, como bien nos explica el veterano mago, se divide en dos partes, con un descanso intermedio, y comienza por la primera parte (risas). Es ese humor sencillo pero efectivo, atemporal, sano, que saca sonrisas a todos, sin meterse con nadie, sin decir tacos, el que ha llevado al mago a actuar por todo el mundo. Es, esa gracia con la que consigue hilar un truco tras otro, manteniendo la atención del público sin que desfallezca en éste su capacidad de ser sorprendido.

Y es que parece increíble que con 74 años, Tamariz, tenga tal destreza manual y sobre todo mental para entusiasmarte, asombrarte y por encima de todo, hacerte reír durante las casi dos horas que dura el espectáculo (y que para nada se hace largo).

Tamariz se apoya esta vez en dos magos "familiares" que le añaden algo de variedad al show:

-Su esposa, Consuelo Lorgia, la que nos sorprende a primera vista con el viejo truco de empequeñecer una baraja. Después vuelve a asombrarnos con un toque de mentalismo, adivinando las cartas de los espectadores.

-Por otro lado, Alan, su yerno. Nos dejó a todos boquiabiertos con su truco de escapismo. Fue atado y vigilado por voluntarios, y mientras alzaban una tela que lo cubría momentáneamente… desapareció.

Los últimos trucos fueron de proximidad y Tamariz los llevó a cabo con una cámara que enfocaba sus manos y el tapete. Las imágenes se proyectaban en una pantalla para que la audiencia "intentase ver" (sin éxito, claro) lo que sus trucos de cartas escondían. Ni los voluntarios, ni el público entendimos cómo es posible que sucedan las cosas delante de tus ojos sin saber cómo fue o como pasó.

“Magia potagia y más”, es por tanto, un espectáculo familiar. Un show que disfrutará desde el más joven al más longevo y al que asistir merece mucho la pena. Sin duda saldrás fascinado, boquiabierto y sonriendo, como todos hicimos aquella noche mágica.

Muy recomendable para reír y olvidar malos ratos, quedar genial con la pareja, invitar a la familia o incluso retar al cuñado, ese que todo lo sabe, a acertar algún truco.

 

Valoración: 9 sobre 10 Chananáaaaaaaaaan!!

 

Sábado, 08 Octubre 2016 22:55

Crítica de Teatro: "La guerra de los sexos"

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CRÍTICA de TEATRO: “La guerra de los sexos”

 

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Qué: La Guerra de los Sexos

Dónde: Teatro Quevedo (Madrid)

Cuándo: Jueves, viernes y sábados a las 21h. / Domingos a las 19.30h.

 

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FICHA ARTÍSTICA

AUTOR: Rich Orloff

VERSIÓN: Karlos Klaumannsmoller y Mikel Castillo

REPARTO: Quim Ramos, Tania Watson, Laura Río y Karlos Klaumannsmoller

DIRECCIÓN: Chos

JEFE DE PRODUCCIÓN: Karlos Klaumannsmoller

AYUDANTE DE PRODUCCIÓN: Mikel Castillo

AYUDANTE DIRECCIÓN: Almudena León

DISEÑO ILUMINACIÓN: Chos

DISEÑO GRÁFICO: Verónica M. Z.

FOTOGRAFÍA: José Manuel García Jiménez - www.conun6yun4.es

PRODUCCIÓN MUSICAL: La Regadera Producciones Teatrales

 

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SINOPSIS

Si las mujeres son de Venus y los hombres son de Marte juntos desatarán una auténtica batalla capaz de acabar con el Universo, La Guerra de los Sexos.

Un espectáculo que aborda el tema más antiguo y controvertido de la humanidad: Las diferencias entre los sexos. Un espectáculo que habla del amor, la sexualidad, la familia, las relaciones desde la mirada masculina y femenina.

 

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OPINION

Sáez Muñoz

Espectáculo no muy original sobre uno de los temas más explorados y representados: las diferencias entre hombres y mujeres en las relaciones sentimentales, sexuales, amorosas y familiares.

Una obra dirigida con un alto ritmo en el escenario donde las diferentes historias están unidas por unas transiciones, que si bien son originales, tampoco dan mucho sentido al argumento. El principal problema de esta obra es que se trata de un conjunto de representaciones que no están ligadas por un nexo o un hilo argumental. La directora parece que ha cogido seis sketches de tópicos graciosos y los ha unido en una representación breve de poco más de una hora abordando un análisis social inacabado.

En cuanto a la banda sonora y la escenografía, se pueden resumir en una palabra: banal. De la banda sonora destacaría el buen uso de los efectos especiales muy por encima de las canciones elegidas para la obra.

Buen nivel de ironía que te regala una sonrisa en más de una ocasión, pero no escuché carcajadas en ningún momento. No se trata de un especulo familiar, no es apto a un público a quien no le guste escuchar palabras explícitamente sexuales. Como en el cine o series españolas, demasiada alusión a temas soeces y escenas explícitas gratuitas. No creo que sea necesario que una actriz salga medio desnuda al escenario, sobre todo cuando es la mejor del reparto.

El éxito del espectáculo se debe a la muy buena interpretación de las actrices femeninas que ensombrecen a sus compañeros masculinos. Compañeros que en el día del estreno olvidaron a menudo sus líneas o titubearon de manera obvia. Comprensible si tenemos en cuenta que el teatro es bastante pequeño y la interactuación con el público fue muy alta.

Buena opción para quien quiere pasar una tarde de diversión sin muchas expectativas.

 

VALORACIÓN: 6 sobre 10

 

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CRITICA DE TEATRO: HASTA AQUÍ HEMOS "LLEGAO"

 

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Obra: Hasta aquí hemos llegao

Reparto: Leo Harlem, Sinacio y Sergio Olalla

Compañía: Smile company Divertia

Dónde: Teatro Infanta Isabel

Precio: Desde 20 euros

Cuándo: Jueves y viernes 20:00 horas. Sábados 18:00 y 20:30 horas. Domingos 18:00 horas. Funciones adicionales festivos y puentes

 

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SINOPSIS

Suena el teléfono de los tres artistas de la compañía y es el productor que los cita en un aeropuerto o estación de tren para viajar hacia el siguiente “bolo”. Ahí comienza la loca aventura de Hasta aquí hemos “llegao”. Tres cómicos citados en el enclave, pero con dificultades para el encuentro. Impuntualidad, despistes…todo esto hará que el día comience un poco complicado, ¿Se resolverá? Durante 90 minutos viviremos las típicas situaciones que sufren nuestros cómicos antes de salir para la próxima función. Vaya pesadilla de viaje, en el camerino hace frío, no me gusta el catering… Son frases que podríamos oír… O bien, qué viaje más cómodo, qué camerino más acogedor, qué catering más completo y delicioso. ¿Qué creéis vosotros??? No lo sabemos pero….…Lo que sí sabemos es que durante los 90 minutos que durará el espectáculo nos reiremos como si no hubiera un mañana. ¡¡LEO HARLEM, ECHA EL FRENO QUE HASTA AQUÍ HEMOS “LLEGAO”!!

 

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CRITICA

Sergio Lázaro Lázaro

Leo Harlem, Sinacio y Sergio Olalla forman un trio de monologuistas especiales. No lo digo por la calidad de sus monólogos. Ni por velocidad de su elocución. Ni tan siquiera por sus dotes interpretativas, los cuales son geniales durante todo el espectáculo destacando la figura de Sergio Olalla. Son especiales por el simple hecho de lo que son capaces de trasmitir con su sola presencia en el escenario. Son comunicadores natos y geniales humoristas. Durante la hora y cuarenta minutos que duró la obra, en ningún momento se bajó el listón, sino todo lo contrario, las risas y carcajadas fueron in crescendo.

Con un attrezzo muy original y un juego de luces bastante bueno, van pasando los tres monologuistas por un viaje, desde el aeropuerto de Madrid y su correspondiente viaje en avión, pasando por un hotel robótico, restaurantes, camerinos, etc... Todo ello con un humor desternillante en el que Sinacio en un momento dado no podía parar de reír, y es que es muy muy difícil aguantar las carcajadas en ciertos momentos hasta para los propios actores. Sin duda Leo Harlem, para mí el mejor monologuista de este país, consigue que con su estilo propio el público reciba lo que busca en este tipo de obras, aquí no hay engaños ni sitio para las preocupaciones, aquí se viene a disfrutar del desenfreno brutal de carcajadas hasta no poder más. Con “Hasta aquí hemos llegao”, he visto entre el público a gente llorar de la risa gracias al buen hacer y la calidad artística de estos tres fenómenos de la interpretación.

Sin duda un espectáculo especial, en un teatro en el que no cabía un alfiler. Un show 100% comedia, el cual recomiendo a todos cuantos quieran disfrutar del placer de reír.

 

VALORACIÓN: 8 sobre 10

 

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Slava’s Snowshow:

- Slava Polunin Company –

 

Imagen de portada

 

Teatros del Canal | Sala Roja |

(Del 21/09/2016 al 09/10/2016)

 

Crítica Teatral

* Slava’s Snowshow *

Drama, poesía, amor y payasos

 

José Fco. S.R.

Un canto a las emociones. Al arte de expresar. De reír y de llorar; De sentir. La obra de Slava nos invita a soñar, a ser ingenuos (muy pequeños), a escuchar, ver y tocar como lo hacíamos antes. Es un viaje al pasado, al origen de nuestro ser. Un espejo de verdad. Una imagen real que te observa y te muestra de la forma más bella.

 

Imagen entretexto

 

Felicidad, melancolía, magia… La historia trágica y suicida de un payaso de mirada desnuda al que, de repente, la vida empieza a cambiar. La soledad por la alegría, la depresión por la fantasía… y la empatía. Los juegos de luz y de sombras vienen y van.

Hablo de emoción, de tormentas de nieve, de una puesta en escena tan simple como minimalista. Una obra con momentos para la risa pero también (creo, sobre todo) para la reflexión. Compleja en lo técnico pero sencilla. Hora y media de creación y escenas inolvidables que conmueven, de melodías que llenan en tiempos (los nuestros) tan faltos de imaginación y pasión duradera. Un juego de piezas abandonadas a su suerte en lugares perdidos, en sueños y miserias. Una representación con simples propósitos: mandar mensajes mudos (así) llenos de esperanza.

 

Portada critica literaria

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Slava's Snowshow

 

Muerte entre los payasos

 

A mis sentidos, a ellos les escribo. Si aún he de sentir, si aún he de vivir… De esto. Por esta y el resto de obras; y de gestos que sólo sean así.

   

A ellos, los amantes de Cortázar. O a sus últimas cartas.

“Julio, fui tan abajo. Pero no hay fondo. Julio, creo que no tolero más las perras palabras. La locura. La muerte.”

( tu vieja Alejandra )

Lo sé. Nadie ya escribe. Digo a la altura. Sí, de una cultura que a veces te da y a veces te quita ( y te hiere ) pero, ¿y lo que da? ¿Y lo que aporta? ¿No es lo que más? ¿No se soporta? La forma en que toca… ( ¡ porque cómo toca ! ) Y no se te va. Se te queda.

No sé qué hacer. Sé que está mal ( eso lo sé ) pero no si es a posta. Y si así es ( a nuestra costa ), ¿para qué? ¿Y por qué? ¿Está prohibido? Hacerlo a conciencia, digo. Porque si no lo está… si lo han permitido ( o aceptado, al menos )

lo han conseguido.

Mas he prometido ( así he decidido ) no dar por cumplido que se ha terminado. No estoy de su lado. Ni quiero ni puedo estarlo. Pero he de afirmar que estoy enfadado;


“La sermoneábamos por su peligrosa manera de abandonarse al azar de las circunstancias, con toda clase de riesgos que no le importaban pero que los amigos conocíamos bien.

Julio, ( septiembre de 1971 )”.

Hoy la he tenido ( sentido ) . La había perdido. Aquella sensación. Al fin la he podido notar. Volverme y la lluvia; los ojos abiertos ( el cielo primero y las luces después ); la nieve y su vuelo. Lo cierto es que no suelo llegar hasta ahí . A pararme y observar. Caer. Volver a … sentir …

No sé si puedo.

Alejandra se suicidó el 25 de septiembre de 1972, un año después de recibir su última carta.

 

subportada critica literaria

Una de las reprimendas mas entrañables de la obra.

“A mis sentidos,

a ellos les escribo. Si aún he de sentir, si aún he de vivir…     De esto. Por esta y el resto de obras; y de gestos que sólo sean así. Sin falsos conceptos; Sin fríos pretextos. Por este momento, tan corto y tan frío ( perfecto ), acepto. Acepto el calor, abrazo el intento de ser y de seguir. Volveré a salir; A no abandonarme y a no permitir mas que al viento el poder de decidir lo que es correcto o incorrecto, si digo la verdad o si miento.

José Fco. S. R. ( septiembre de 2016 )”.

 

 

SOBRE LA OBRA

Slava’s Snowshow es un espectáculo teatral circense, poético e intemporal, que ha cautivado y potenciado, como ningún otro, la imaginación de públicos de diversos géneros, creencias, características y edades. El show es un género en sí mismo y permanece tan espontáneo y mágico como el primer día, catapultando sistemáticamente a cada adulto de vuelta a su infancia. Slava’s Snowshow ha reinstaurado el arte del clown, seduciendo de nuevo a aquellos que lo habían descartado como una forma anticuada de circo.

El espectáculo es una caravana de organizado caos, jolgorio y encanto que, sin descanso, rueda por el mundo ofreciendo a todos - jóvenes y mayores -, una oportunidad de dejar sus vidas cotidianas en las puertas del teatro y sumergirse en una condición de “feliz estupidez”. Es una excusa para celebrar la vida de un modo disparatado y hacer vivir al público emociones y experiencias muy diferentes en su hora y media de duración: profunda nostalgia, alegría desmesurada e incluso momentos de gran incertidumbre y tensión.

Esta altamente aclamada tragicomedia visual ha obtenido los galardones más importantes del teatro, desde Londres a Nueva York, de Australia a México, de París a Moscú... incluyendo el “Laurence Olivier Award" de Inglaterra y el "Triumph Award" de Rusia.

 

Qué: Slava's Snowshow (clown Slava Polunin)

Dónde: Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid

Cuándo: del 21/09/2016 al 09/10/2016

 
Martes, 13 Septiembre 2016 16:40

Crítica Teatro: "Pedro y el capitán"

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Crítica de Teatro: “Pedro y el capitán”

 

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Pedro y el Capitán es un tenso y largo diálogo entre víctima y verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios, una batalla entre un torturador y un torturado. Según define el propio Benedetti, “una indagación dramática en la psicología de un torturador”. Pedro es un hombre que usa su silencio casi como un escudo y su negativa casi como un arma, un hombre que prefiere la muerte a la traición. Una historia que te dejará sin palabras desde el primer minuto. Descúbrela en el Teatro Lara de Madrid.

 

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Obra: Pedro y el capitán

Autor: Mario Benedetti (1979)

DIRECCIÓN: Tomás P. Sznaiderman y Blanca Vega

REPARTO: Antonio Aguilar y José Emilio Ver

ILUMINACIÓN: Francisco Dávila

Compañía: El Hangar

Dónde: Teatro Lara

La obra tiene tan simple la puesta en escena como compleja en el diálogo y emociones.

Es la viva imagen de cómo conseguir más con menos y demostrar que con un escenario simple y dos personajes puedes mantener a toda la audiencia expectante y atenta durante casi hora y media.

 

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Sinopsis

El Capitán entrevista a Pedro, apresado que se niega a delatar a sus compañeros pese a ser torturado cada vez que no contesta las preguntas.

Tras varios cortes (mientras torturan a Pedro), se va viendo cómo el torturado conoce muy bien al captor y le consigue sacar de sus casillas primero con su silencio y después con su inteligencia psicológica.

 

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Crítica

Daniel Alonso Sanz

Este intensísimo diálogo entre el torturador, el Capitán, y el torturado Pedro nos hará a ratos estremecernos por la tensión y crueldad además de en ocasiones reír por la ironía y valentía del que no tiene nada que perder.

Entre los dos personajes se ve la estrecha relación entre el amor y el odio, la crueldad y la compasión, que se da entre la víctima y el verdugo.

Pedro alias Rómulo usa su silencio al principio de la obra y su negativa después. Son el arma que protege su integridad y sus principios. “Prefiero morir como un vivo, que vivir como un muerto”, y así consigue intercambiar el papel con el Capitán y tomar el rol dominante para hacer sentir a su contrincante como monstruo despiadado que no quiere reconocerse.

La obra consigue lo que todo teatro con pretensiones debería, conmover al espectador. Ya que hace que nosotros tengamos que ponernos en el lugar de cada uno de los personajes cuando están hablando y cuentan sus motivaciones, sus miedos y sus anhelos.

 

Valoración: 7 Sobre 10

Teatro minimalista para los que buscan algo íntimo, trepidante y conmovedor.

 

pedro y el capitan 4

 

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